Enzo De Rosa, 600 produzioni tra cinema e musica: da Caserta a Montréal, una carriera senza confini

Ha al suo attivo circa 600 produzioni che hanno riguardato lavori televisivi, teatrali e discografici Enzo De Rosa, musicista e compositore ,casertano d’origine ha insegnato per anni al Conservatorio di Benevento ma ha sviluppato il clou della sua carriera in Canada e precisamente a Montréal sua sede di elezione.

La musica come accompagnatrice di altri eventi artistici ma lei ha dimostrato che pur staccandola da questi riesce ad avere vita propria, magari “trasformandosi” in musica da camera.

È vero, una parte importante del mio lavoro nasce dal rapporto con altre forme artistiche, soprattutto il cinema, il teatro e l’immagine. Ma quando una musica viene concepita per un film, non significa necessariamente che debba rimanere legata per sempre alle immagini. Una buona idea musicale dovrebbe poter sopravvivere anche al contesto per cui è nata. È proprio questo che mi interessa quando porto alcune delle mie esperienze nel campo della musica da camera: togliere l’immagine, lasciare che la musica assuma una propria autonomia e verificare se continua a comunicare qualcosa anche senza il supporto narrativo originale.

Il lavoro con il Trio De Rosa nasce anche da questa esigenza. Il repertorio cinematografico, quando viene trascritto per pianoforte, violino e violoncello, cambia natura: non è più semplicemente una colonna sonora privata delle immagini, ma diventa un nuovo oggetto musicale, con una propria struttura, un proprio equilibrio e una dimensione più intima. In questo senso, cinema e musica da camera non sono mondi così lontani come potrebbe sembrare.

Pianista e compositore lei può avvalersi di questo doppio osservatorio privilegiato nella realizzazione delle sue opere.

Sono due prospettive che nel mio lavoro si alimentano continuamente. Essere pianista significa avere un rapporto molto concreto con il suono, con il gesto musicale e con ciò che materialmente è possibile realizzare sullo strumento. Essere compositore significa invece poter osservare la musica da una prospettiva più ampia, costruendo l’architettura dell’opera e pensando anche a strumenti e organici molto diversi dal pianoforte.

Credo però che la cosa più importante sia il rapporto tra queste due dimensioni. Quando compongo non penso soltanto alla partitura, ma cerco di immaginare fisicamente il suono che ne nascerà. E quando suono una mia composizione, l’esperienza dell’interprete mi permette di capire immediatamente se un’idea che sulla carta funziona è realmente efficace. Questa doppia esperienza è particolarmente utile anche nel lavoro cinematografico, dove bisogna continuamente trovare un equilibrio tra idea musicale, orchestrazione, tempi narrativi e necessità produttive.

Magari lei avrà messo il suo cuore ad altre tipologie compositive ma certamente una parte cospicua del suo successo le è venuto dalla realizzazione di colonne sonore. In questo senso pensiamo ad autori come Piovani, Morricone e Vangelis. C’è una sua opera o una sua esecuzione alla quale è particolarmente legato?

È difficile scegliere un’unica opera, anche perché il rapporto con una composizione cambia nel tempo. Probabilmente sono particolarmente legato proprio ai lavori nei quali la musica riesce a stabilire un rapporto molto stretto con la narrazione senza diventare semplicemente un elemento decorativo. È una delle ragioni per cui il cinema continua ad interessarmi così tanto.

Tra le esperienze recenti, produrre la colonna sonora del film*Choke Hold* è certamente un lavoro al quale sono affezionato, anche per il percorso che ha avuto e per essere arrivato fino alla presentazione a Cannes. Ma sono altrettanto importanti per me i progetti nei quali posso sperimentare una dimensione diversa, più libera dalla necessità di accompagnare una scena. In fondo, quello che cerco nella musica per il cinema è la stessa cosa che cerco nella musica da camera: una scrittura che abbia una propria identità anche quando cambia il contesto nel quale viene ascoltata.

Il riferimento a Morricone, Piovani e Vangelis è interessante proprio per questo. Sono autori molto diversi tra loro, ma hanno dimostrato che la musica cinematografica può superare il film e diventare parte autonoma della cultura musicale. È una possibilità alla quale un compositore non può non aspirare, anche se naturalmente non è qualcosa che si possa programmare.

Soprattutto rifacendosi ai Suoi trascorsi/presenti classici che differenze ha trovato tra il panorama musicale italiano e quello canadese?

La differenza principale che ho percepito riguarda soprattutto il modo in cui il sistema musicale è organizzato e finanziato. In Italia esiste una tradizione musicale straordinariamente radicata e una grande attenzione alla storia, al repertorio e alla figura dell’interprete. Allo stesso tempo, però, il sistema può essere piuttosto rigido e le opportunità per un musicista che voglia costruire un percorso indipendente non sono sempre facilmente accessibili.

In Canada, e in particolare in Québec, ho trovato un ambiente più orientato alla progettualità, alla collaborazione tra discipline diverse e alla ricerca di nuove forme di produzione. Ci sono naturalmente difficoltà anche qui, soprattutto sul piano economico e della sostenibilità professionale, ma esiste una certa disponibilità verso progetti che mettono insieme linguaggi differenti.

Per me questo è stato importante perché il mio percorso si è sviluppato proprio all’incrocio tra musica classica, composizione contemporanea, cinema, teatro e produzione audiovisiva. Non considero quindi i due ambienti in termini di migliore o peggiore. Sono sistemi con caratteristiche differenti, e lavorare in entrambi mi ha permesso di conservare una formazione profondamente europea aprendomi contemporaneamente a un modo diverso di concepire la produzione musicale.

Nonostante la sua vasta produzione lei continua a lavorare alacremente, quali sono i suoi progetti futuri?

Sto continuando a lavorare soprattutto nell’ambito della musica per il cinema, parallelamente ai progetti di musica da camera e alle mie attività come pianista. In questo momento uno dei progetti più interessanti è Thackeray, un film che verrà prodotto e girato interamente a Kauai, alle Hawaii, per il quale sto lavorando alla colonna sonora. È un progetto particolare anche perché la musica deve dialogare con un ambiente e con una realtà produttiva molto specifici.

Parallelamente voglio continuare a sviluppare il progetto del Trio De Rosa e il programma dedicato al rapporto tra musica classica e cinema. Mi interessa molto anche riprendere e sviluppare alcune idee compositive che non nascono necessariamente per un film, quindi con una maggiore libertà formale.

In realtà non penso molto al futuro in termini di quantità di lavoro. Dopo tanti anni quello che mi interessa è soprattutto trovare progetti nei quali ci sia ancora qualcosa da scoprire. Il cinema continua a offrirmi questa possibilità, perché ogni film impone un linguaggio diverso; allo stesso tempo, la musica da camera mi permette di tornare all’essenza della scrittura musicale, dove alla fine rimangono soltanto il suono, gli strumenti e il rapporto diretto con l’ascoltatore.